Información del autor: Pintor extremeño conocido por sus cuadros religiosos. Sigue la corriente tenebrista, ya que emplea el contraste de luces y sombras. Se caracteriza por la sencillez de sus composiciones, el realismo, el rigor en la concepción, la exquisitez y la ternura en los detalles. Busca las formas amplias y la plenitud en los volúmenes, dota de monumentalidad a las figuras y pasión a los rostros. Murió en 1664, en Madrid, sumido en una gran pobreza.
Etapas:
1ª etapa: en Sevilla realizó trabajos para diversos conventos.
2ª etapa: la década de 1630 fue la más fructífera de su obra. Fue llamado por la Corte de Felipe IV.
3ª etapa: en la siguiente década comenzó su declive, al cambiar el gusto pictórico en Sevilla.
Descripción: este lienzo es una copia hecha por la escuela sevillana del cuadro de Zurbarán: San Francisco de rodillas con una calavera (del año 1658, 64 × 53 cm., de la Alte Pinakothek de Múnich, Alemania). Por lo tanto, se enmarca dentro del barroco español. Aparece la imagen de San Francisco en actitud de oración con los ojos mirando al cielo. La escena se completa con una calavera que el santo toca con su mano. Hay fuertes contrastes de luces y sombras producidos por un foco de luz situado fuera del cuadro, que ilumina parte del rostro y las vestiduras. Todo ello acentúa el dramatismo. El naturalismo lo dan las únicas partes visibles del cuerpo. El fondo gris oscuro realza el carácter intimista de la escena. La composición de ésta es diagonal.
Tanto el tratamiento de las telas como en realismo extremo de los detalles es lo que nos hace hablar de pintura zurbaranesca. Esta obra se sitúa en los últimos años del autor, por lo que pertenecería a su periodo más intimista y melancólico.
Como ya aparece mencionado en los datos principales de la obra se trata de una copia, de una colección particular. Existe otra copia en el Museo de Pontevedra.
Información del autor: Manolo Millares (1926-1972), Islas Canarias. Después de 1943, entró en contacto con diversos miembros de la Escuela Luján Pérez (en especial con Felo Monzón) y Plácido Fleitas), iniciándose en el aprendizaje de la pintura. Formó parte del grupo Ladac y dirigió Los Arqueros, colección de monografías de arte. En 1955 se trasladó a Madrid, fundando el Grupo El Paso. A partir de su primera exposición en Las Palmas, (1945) Millares mostró su obra en las principales Galerías y Museos de Barcelona, Madrid, Nueva York, París, Roma, Estocolmo, Buenos Aires, Tokio, etc., estando representado en las más importantes pinacotecas nacionales y extranjeras de arte contemporáneo.
En la obra de Millares pueden distinguirse dos grandes épocas: la primera abarca desde el comienzo de su trabajo hasta 1955; la segunda se inicia ese año y concluye en el de su muerte. En cada uno de sus períodos hay, lógicamente, diversos cambios, pero ninguno tan fundamental como el que señala la divisoria de 1955: la utilización de la arpillera. A partir de ahí, Millares sería un pintor radicalmente distinto al que hasta entonces había sido. Las obras más importantes de las producidas por Millares en la primera etapa son las pictografías canarias, resultado de su interés por el surrealismo y por el mundo de la arqueología.
Esas obras tienen como elemento básico de su composición los dibujos geométricos de los aborígenes de Gran Canaria, y los signos rupestres del Barranco de Balos.
Descripción: Su estilo se encuentra a caballo entre el informalismo y el expresionismo abstracto. La obra se compone a base de manchas y papel, formando un collage de contrastes. El color rojo sirve de base para el resto de la composición, a base de papel de periódico y la tinta negra. Estos tres elementos se entremezclan, coloreando el papel y fijándolo al soporte. El dinamismo de la obra se aprecia en las salpicaduras de tinta negra sobre el papel blanco. Pertenece a una colección privada.
Etapas:
1ª etapa: influencia del surrealismo, Klee y Miró, cuyas primeras Pictografías están marcadas por temas guanches y un constante interés por la antropología.
2ª etapa: Se instala en Madrid, y comienza a pintar en un estilo cercano al informalismo, e introduce las arpilleras en sus obras.
Información del autor: Nació en Santurce en 1938, y muere de forma repentina en Madrid en 2003. Consagrado artista español, Eduardo Úrculo es uno de los principales exponentes de la pintura pop en España. Trabajó en diversos registros desde el expresionismo hasta el neocubismo e hizo de la maleta y el sombrero sus dos grandes iconos. Inició su formación en Asturias y pronto viajó a Madrid para continuar sus estudios, Vivió en París y viajó por distintas ciudades europeas. Dos años después de nacer él, fue cuando su familia se traslada a Asturias. Comenzó pintando sin formación artística, hasta que en 1957 recibió una beca para estudiar en Madrid y asistió a las clases del Círculo de Bellas Artes. En 1959 ingresó en la academia parisina de la "Grande Chaumière". Ha hecho trabajos como diseñador gráfico, como ilustrador y como escenógrafo. Ha pasado por varias etapas, la última de las cuales se centra en el tema del viajero enfrentado a las grandes ciudades modernas: variante irónica del viajero romántico sobrecogido por el paisaje. Durante la década de los setenta desarrolla sus trabajos con aerógrafo. Inició sus obras enmarcadas en pop art y comenzó la época erótica con sus cotizados femeninos rebosantes de barroquismo y colorido. En los ochenta su obra se desplazo hacía la narrativa desarrollando un trabajo a partir de motivos como los sombreros, el artista de espaldas o los viajes que constantemente quedan plasmados, tanto en pintura como escultura, con la figura de la maleta.
Etapas del autor: 1ª etapa: años 70 → temas eróticos en la estela pop, pero con un contenido fuertemente narrativo. 2ª etapa: tema del viajero (posiblemente sea él mismo, reflejo de su faceta como viajero) y su vuelta al cubismo.
Descripción: Esta obra se enmarca dentro de su segunda etapa, donde todavía hay una influencia pop y va hacia el cubismo. Durante la década de los setenta desarrolla sus trabajos con aerógrafo. Inició sus obras enmarcadas en pop art y comenzó la época erótica con sus cotizados femeninos rebosantes de barroquismo y colorido. En los ochenta su obra se desplazo hacía la narrativa desarrollando un trabajo a partir de motivos como los sombreros, el artista de espaldas o los viajes que constantemente quedan plasmados, tanto en pintura como escultura, con la figura de la maleta. En la obra podemos presenciar una composición elaborada mediante líneas definidas las cuales se pierden por la vitalidad del color. Se representa la figura masculina de espaldas al espectador; la cual observa la arquitectura que ante él de dispone. La obra muestra las características más reconocibles del pintor, como puede ser su amor por los sombreros, los cuales dominan con primacía todo su repertorio artístico. Ha sido expuesta en la “Sen” (Barquillo 43, Madrid, noviembre de 1995), y sobre él hay un catálogo bajo el título El desafío.
Información del autor: Nació en Buenos Aires, hijo de emigrantes gallegos, lugar a donde vuelve cuando todavía era un niño. Se licencia en Derecho por la Universidad de Santiago de Compostela. Poco a poco se va implicando en la vida política, tanto que se vincula a grupos nacionales y republicanos.
Mantendrá contactos con artistas como Maruja Mallo, Federico Rivas…Comenzará a dibujar y a colaborar en diarios; además de escribir poesía. En 1938 inicia su colaboración con la Editorial Losada, fundada por un gallego, que será la receptora de la literatura europea que en la España de postguerra está proscrita. Desde 1939 y durante veinte años dirige la revista Galicia del Centro Gallego de Buenos Aires. Edita a autores gallegos y funda revistas literarias, con Arturo Cuadrado y Lorenzo Varela. Publica libros de dibujos y grabados. Uno de sus libros, Homenaje a la Torre de Hércules, es seleccionado en Nueva York, en 1945, como uno de los diez mejores publicados en la última década en el mundo. Expondrá sus obras; que van desde el dibujo pasando por el grabado, la cerámica, los carteles…en ciudades como París, Londres, Buenos Aires, donde gozará de éxito. Su presencia se hace notar en toda actividad cultural de Galicia; incluso en la actualidad prosiguen exposiciones retropectivas sobre su figura.
Independientemente de la práctica pictórica, del dibujo y de sus investigaciones en el campo del grabado, Seoane merece ser recordado como el gran dinamizador de la cultura gallega en el exilio. Fundador de la editorial Botella al Mar, editor, voz de la emigración a través de revistas como Galicia Emigrante... todo ese trabajo culminaría en la creación, junto a Isaac Díaz Pardo, del grupo Sargadelos. Su estética marcará un antes y un después en la historia de las artes plásticas en Galicia.
Etapas del autor: 1ª etapa: hasta los años 50 → en su primera etapa como pintor y dibujante se ve influido por el expresionismo alemán (Grosz, Otto Dix), los estudios de Lissitstzky, la metodología de la Bauhaus y, todavía más, por el trabajo de Pablo Picasso.
2ª etapa: a partir de los años 50 → evoluciona hacia una pintura en la que el escenario ya no tiene el protagonismo que tenía anteriormente y en el que se reduce el sentido de la profundidad.
3ª etapa: en los años 60 → pintura plana de fuertes contrastes de color y de un grafismo que se superpone a la obra pictórica, cargando su obra de gran fuerza sintética, llevándola hacia una deconstrucción de la imagen que supondrá el cenit de su etapa de madurez.
Descripción: En esta obra se evidencian las características de su pintura. Vemos la representación de una figura femenina muy simplificada que nos evoca al cubismo y sus formas; rasgos definitorios que se perciben en los pechos de la mujer y en sus brazos.
Debemos destacar la paleta de colores, éstos son planos pero muy vivos y expresivos que ayudan a componer la obra y otorgarle definición y carácter; ya que el artista utiliza el color para pintar la línea aquí no tiene cabida.
El estilo que nos muestra Seoane en esta obra, es postcubista; se deja llevar por las formas cubistas las cuales aplica para crear el eje compositivo. Aunque también cabe citar, que hay ciertos historiadores y críticos de arte que perciben en su obra ciertas reminiscencias al primitivismo, donde lo más importante es la lectura de la forma.
Información del autor: Es un pintor, escultor y dibujante colombiano. Nació en Medellín en 1932. Está considerado uno de los artistas latinoamericanos más cotizado y reconocido.El proyecto ciudad Botero fue realizado por el Municipio de Medellín, a través de la Promotora Inmobiliaria. Participaron el Museo de Antioquia, los Gobiernos Nacional y Departamental y la empresa privada, además de Fernando Botero, quien siguió paso a paso las obras que convirtieron el antiguo edificio en lo que es hoy. El maestro Fernando Botero donó al Museo de Antioquia una colección de ciento ocho pinturas en diferentes técnicas (lápices, tizas, acuarelas, sanguinas, pasteles, dibujos, óleos) y diez y seis esculturas, catorce de las cuales se exhiben en la plazoleta, también aportó otra colección de veintiuna obras de artistas internacionales de tanta fama como Marta, Stella, Tápies, Vari, Rauschenberg.
Etapas:
1ª etapa: realiza escenas costumbristas con una pincelada suelta de colores oscuros, con ocasionales contrafuertes, cercana al expresionismo
2ª etapa: a finales de los 60 comenzaría su siguiente etapa; recurre a una pincelada cerrada, con figuras y contornos más definidos.
3ª etapa: será tras su viaje a Italia cuando comience su explotación volumétrica. También se interesará por elementos característicos del arte de las culturas mesoamericanas. Se verá influenciado por autores como el mexicano José Luis Cuevas y grupos artísticos como los naïf, esto derivará en una obra caracterizada por una figuración distorsionada volumétricamente, donde prima lo compositivo y lo formal por encima de lo conceptual.
4ª etapa: es la actual. Pintura de compromiso político. En su obra reciente, Botero ha recurrido temáticamente a la situación política colombiana y mundial. Por ejemplo, la serie sobre "Abu Ghraib" está compuesta por 78 cuadros que tratan de representar los horrores de la tortura y de la guerra, relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak, y los sucesos de la Prisión de Abu Ghraib a partir de las declaraciones de las personas allí torturadas.
Descripción: Aparece la imagen de Hernán Cortés posando victorioso ocupando todo el centro. El lienzo se titula El conquistador. Mientras pisa con su pie derecho la cabeza de un indígena, asesinado en el suelo. Al fondo entre los árboles se percibe la cabeza de una mujer, que lo observa todo. La pintura muestra claramente los rasgos definidores de la pintura de Botero, por la deformación de los volúmenes en el cuerpo de Cortés, esa línea en el dibujo. Las formas tan redondeadas. Porta en las manos un sable, en la izquierda, y una escopeta, en la derecha, ésta es casi tan grande como él (tamaño desproporcionado).
Esta obra pertenece claramente a la tercera etapa del autor, ya desarrollada, se aprecia de forma indudable por la figuración distorsionada volumétricamente. Donde además resalta la composición y las formas. Nuestra obra de Botero muestra de forma contundente estas características definitorias de un estilo; ya mencionado y explicado en la información acerca del autor, que facilitamos en el apartado anterior.
